Apple TV和Netflix今年出的幾個音樂相關紀錄片都特別好。 作為一個從低端碼農轉行來的媒體音樂/聲音制作者，再次從業內大佬的經驗里得到了自我價值觀的驗證---現代音樂/聲音制作是基于技術的自我探索。換言之，如果你一開始就想著找所謂師傅帶路，那你可能不太合適這個行業，除非你只想做按部就班型的事務類工作或者你的師傅是業內超級大佬。 首先揭發一些現實： 1，現在的音樂制作從業者，來自音樂類科班院校出身的并不太多。很多音樂學院學生，最終做了跟音樂沒有關系的工作，即使做音樂相關的，很多也是教育類/演奏類/學術類/藝術作曲，真正進入音樂制作行業的不多。從沒學過音樂，看不懂譜子的人大有人在（有天賦的人不需要看懂譜子和學什么樂理，真的，不騙你。）。 2，作曲/編曲/制作是完全不同的領域，會作曲不一定會編曲和制作，會編曲/制作的不一定會作曲。但是現在作曲/編曲/制作全包的全棧制作者變多了，尤其是在媒體音樂/聲音領域。 3，音樂制作是一個非常大的領域，它不僅僅是把音樂制作出來的作曲/編曲/錄音/后期，還包括了很多細分的專業領域，比如有專門制譜的人，有專門做音色的人，有專門做聲音素材的人，更不用說做軟件/硬件/樂器/商業聲音素材的公司了。 一個有趣的現實是，不少軟件/硬件的開發者，并沒有什么音樂知識，對于他們的產品的可能性，并沒有太多想法。就像紀錄片里的Autotune，TR-808以及失真效果，最早的開發者在開發的時候根本想不到現在的人們竟然這么使用他們。 4，音樂和聲音設計的界限越來越模糊，未來音樂和聲音設計會沒有區別。 這部系列片，講了auto-tune，采樣，合成器，混響，鼓機，失真。就個人感受而言，所有的主題里貫穿的核心是對音樂/聲音表現的自由探索。如果人們永遠是重復過去的東西，把過去的音樂奉為金科玉律，音樂絕對不會是今天的樣子。現代音樂能發展的今天，就因為有那么一群人想探索音樂/聲音表達的可能性，拓展聲音表現的邊界，去更自由地更個性的表達個人的所思所想（看過西方音樂發展史的人，也會有這種感受）。信息的自由流通會放大探索的成果，可以讓小眾變主流。（題外話：港臺音樂能在80年代-90年代風靡一時，很大程度是因為它們沒有跟世界音樂的發展脫節）。 自發的自由探索真的比找人學有用的多。尤其是在音樂制作領域，因為它就沒有標準答案。行業標準，人們的審美都在變化（筆者在做低端碼農的時候幾乎每天晚上每個周末都是在摸索。想知道那些美妙的東西是怎么做出來的，從結果倒推非常有效率，偶然的發現更有趣）。30年前，所有的音頻工程師都想要聲音聽起來更溫暖更通透更清晰，80-90年代的音響系統都追求hi-fi，誰能想到如今低音質的lo-fi竟然成了一種不可小視的音樂門類。80年代，人們絕不會想到30多年后CD會被拋棄，人們重新聽起了黑膠唱片和磁帶。80年代的音樂人歡呼數字合成器終于聽起來更像真實樂器，紛紛賣掉了手中笨重昂貴的模擬合成器，誰能想到如今人們又紛紛追捧起聲音溫暖有力的模擬合成器。就連DAW領域，穩坐行業20多年的老大哥Pro Tools，Digital Performer，Cubase，Logic也會被后期之秀Ableton Live, Bitwig Studio, Repear, Studio One圍攻。軟件采樣器Kontakt在2000年代干掉了幾乎所有硬件采樣器，可如今硬件采樣器又回來了，大的采樣音色庫制作公司（Spitfire Audio，Orchestral Tools等）干脆自己做起專用軟件采樣器，Kontakt的老大地位也收到了沖擊。音樂制作領域，這種時代巨變的例子數不過來。唯有秉承Open Mind，自己去發現去探索，才能不落后時代。 話說回來，現在國內的音樂制作環境怎么樣呢？據我所知，厲害的人特別厲害，但是整體還是有點落后，而這種落后并不是技術上的，而是在理念上。 先說厲害的。家里一大堆經典硬件/最新硬件的制作人不少，都能讓歐美日大佬垂涎，制作理念緊跟技術發展和時代潮流。也有開發個性化合成器硬件和軟件的公司和個人，比如Ample Sound，三體科技，sE話筒，Ashun Sound Machines，CME，合成器設計師孟奇都享譽海外。歐美吃得開的聲音藝術家，也有很多。2020年《樂隊的夏天》上大火的Mandarin的Chace老早就在歐美紅了。國內的新錄音棚，設備都很高級，可以吊打歐美日。來歐美日學音樂的人也越來越多（比如我坐標的東京，5年前很少有看到學音樂的留學生，這幾年特別多），這些人已經在深刻改變國內游戲音樂/影視音樂的水平，很有希望。 說理念落后，落后在哪呢？ 國內在50年代～70年代與世界音樂發展脫節是客觀事實，這就造成了很多現代音樂制作基本概念在國內缺乏共識，甚至連準確的定義都沒有。舉個最簡單的例子，天天說電音電音，到底什么是電音？國內的電子音樂跟國外的電子音樂基本不是一個東西。用合成器用電腦來做的音樂就叫電子音樂嗎？可惜，并不是。了解電子音樂的出現與發展過程，就會知道問題在哪。 同樣因為很多現代音樂制作基本概念在國內缺乏共識或者沒有準確定義，別說一般人了連一些從業者都不知道特定樂器/特定處理方式/特定音色的內涵意義（context）。比如大家都說電鋼電鋼，可真正的電鋼（以Rhodes，Wurlitzer為代表的Electric Piano）跟大家口里的電鋼（實際是數字鋼琴）根本不是一個東西。彈吉他的都喜歡的失真，而失真是音量的動態特性而不是一種“效果器”。有人可能會說，不用被歐美那套牽著走，要走自己的路，想法是可以，但至少你要知道這個世界上已經有了什么，有什么共識，這樣至少你可以避開那些已經有的東西做真正的獨一無二的“民族”的東西。 然而這種追溯過去的學習是很花時間的，在國內更難。首先中文資料幾乎沒法看（也是因為中文資料對專業術語/名詞缺少共識，同一個名詞翻譯各不相同，有些譯者自己也搞不懂音樂制作，翻譯出來的東西令人匪夷所思），只能看外文（筆者6年前為了搞清楚合成器是什么東西去日本amazon買了幾本日語的講解合成器的書，后來轉為全部看英語版）。Youtube上也有很多講音樂制作歷史，歷史有名硬件/手法的頻道，都特別有趣。 （沒有疫情的時候，東京經常有線下的世界規模音樂交流活動，各路大佬都會來，比如片中的Suzanne Ciani我都曾見過，還有一些大佬比如冨田勲，川井憲次，松武秀樹，Spitfire Audio老板Christian Henson，Stranger Things的作曲家Michael Stein等等都在線下活動里見過甚至說過話，大佬都挺喜歡跟人交流的。他們是音樂制作歷史的見證，可以知道很多過去的事情） 很多硬件/軟件，真的要自己去摸摸才知道是什么。比如劇集里說的合成器兩大派別，以Moog為代表的東海岸合成器和以Buchla為代表的西海岸合成器，不實際體會很難體會這兩大派別的區別。這幾年很火的模塊合成器，不實際摸摸可能真的摸不到門（這幾年有了個模擬軟件可以不用摸硬件了，不過前幾年的電腦根本跑不動模塊合成器模擬軟件）。現代的設備/軟件還好，70-80年代的老設備國內可以接觸的環境還是很少（雖然閑魚上也是有賣的），筆者所在的東京有幾家全球知名的老合成器商家比如Five G（在這部片子里出現了）和Echigoya Music，筆者經常去這兩家淘寶，至少這部片中的所有的設備我都摸過，有的也買了。這在國內還是挺不容易的。 此外，以“民族/國風/古風”為名畫地為牢，拒絕開拓眼界也是阻礙理念進步的石頭。有誰聽過真正在古代被演奏的音樂？只要沒有以具體聲音呈現的資料，真正的古代音樂就很容易在傳承中被人為改變（尤其是在沒有通用音樂記錄法的情況下）。所以現在的所謂“國風/古風”是一個偽概念，它根本就不古；何況五聲音階歐美亞非拉的原住民音樂里都有；被當代“古風”玩家玩濫的套路大多是日本90年代就泛濫的套路；也不能因為用民族樂器要素就說這是國風/古風（有人用中國民樂去表現西方古典音樂，那能叫古風/國風嗎）。可就有很多人喜歡打著“民族”的口號搞事情（徐夢圓是個笑話，業內共識）。宣揚/發揚傳統民族特色完全可以，但，不應該是現代音樂制作的目的。這幾年橫掃歐美亞的韓國K-Pop可有半點傳統半島民族特色？在世界音樂發展的潮流里弄出具有普遍認同的現時影響力更有意義和價值，在此之上用民族特色突出特征，是錦上添花，有更好，沒有也無所謂。在海外有形象力的國內音樂家/制作人雖然不是那么多，比如王璐，孟奇，嚴峻，maf等，有的在現代音樂形式上結合了民族要素，有的沒有，但他們都在海外圈子里樹立了現代中國音樂制作的好的形象。 總結： 在音樂制作領域，自發的探索比找老師學習重要。學好外語掌握最新資訊非常重要；開拓眼界，Open-mind異常重要。錢包也很重要，音樂制作比攝影什么的燒錢多了。